La cinta nos transporta a 1980, año en que sucede el mayor movimiento en masa de cubanos hacia los Estados Unidos, y nos cuenta la historia del refugiado político Antonio “Tony” Montana (Pacino) que harto de vivir en la pobreza en un país donde la gente es controlada por el régimen comunista, decide emigrar a América.

Al igual que sus antecesoras, Rápidos y furiosos 5in Control (Fast Five, 2011) guarda su atractivo en cosas poco importantes pero vistosas como el tuning, las mujeres, Paul Walker, etc. La misma estructura por quinta ocasión y los mismos gestos de Vin Diesel huelen a usados, pero el verdadero punto fuerte de esta franquicia son las escenas de acción.

El filme de Cholodenko aborda con humor temáticas de trascendencia social pero, también, logra momentos de gran tensión y profundidad dramáticas; una elaborada construcción de relieves y aristas, que la colocan por encima incluso de la comedia de diálogos afilados. La realizadora norteamericana demuestra con soltura que conoce a profundidad el punto fino del tema que plantea, una digestión de conceptos y experiencias complejas que traslucen en la puesta en escena y en los diálogos pulidos de sus personajes.

Si las ocres son las tonalidades del western y las rojizas, de las historias de pasión, entonces las grises tienen que ser las de los internados. Al menos así sucede en Nunca me abandones. Hailsham –el lugar donde crecen Kathy (Mulligan), Tommy (Garfield) y Ruth (Knightley) al lado de cientos de niños que juntos, formados y alineados, podrían formar un bloque marcial- es un edificio de piedra rodeado de prados de verde ceniza y cielos a punto de llorar, que nunca lo hacen.

El filme está basado en un cuento corto del conocido autor de ciencia ficción, Philip K. Dick. Este es un amor imposible debido a que una entidad sobrenatural se encarga de mantener a las personas por el camino que los lleve a cumplir con su destino, y para estos enamorados, estar juntos por siempre no forma parte del plan.

El protagonista de En un rincón del corazón, un actor que vive en el hotel Chateau Marmont, es el paradigma del aburrimiento (se queda dormido hasta cuando tiene sexo), aislamiento (se mueve en el microcosmos del star system hollywoodense) y del temor por los otros (ya sean reporteros haciendo preguntas estúpidas o conductores de programas kitsch que se expresan vulgarmente en italiano).

El miedo a la oscuridad parece ser universal por sus múltiples asociaciones a la muerte y a lo desconocido o simplemente por lo indefensos que nos sentimos ante ella. Por esto, muchas películas de género utilizan atmósferas oscuras, enfatizadas por la noche o por la maldad de sus personajes, para contar historias que nos asustan. Ese es el tipo de atmósfera que Guillem Morales construye en Los ojos de Julia.

Love and other drugs es la primera comedia del aclamado director y ganador del Oscar, Edward Zwick (Shakespeare in Love, 1998) basada en la historia real de Jamie Reidy, quien sacó a la luz las desleales prácticas de las corporaciones farmacéuticas para introducir sus productos al mercado.

La película oscila entre la infancia de Morrison y la grabación de su último disco –An American Prayer (1978)– pasando por su juventud en Venice Beach, sus estudios en la UCLA, su noviazgo con Pamela Courson (Ryan) y sus primeros encuentros con el resto de la banda.

Tony Scott trabaja por quinta vez con Denzel Washington como protagonista. En esta historia de héroes en las vías de Pensilvania que muestra los trenes como imponentes bestias, gracias al diseño de audio y los movimientos de cámara, al ritmo de la máquina y la lucha por detenerla, el nivel de adrenalina llega al máximo.

Brian O´Conner (Walker) ahora es un fugitivo, está viviendo en Miami e hizo nuevos amigos. Es conocido como “Bullet” y compite en la calle para ganar dinero utilizando las habilidades que aprendió de Toretto. Brian es atrapado, llevado ante el Agente Markam (Remar) y su ex-jefe del FBI, Bilkins (Barry), quienes le proponen un trato.

Nina (Natalie Portman) una bailarina aniñada que vive con su celosa madre es elegida por el director de la compañía, Thomas Leroy (Vincent Cassel), para interpretar al cisne blanco y al cisne negro. Aronofsky, rescata las evidentes dificultades como la escasa preparación de Portman como bailarina con el tono y el ritmo de las actuaciones y los movimientos de cámara.

A lo largo de todo el filme, Abbas Kiarostami demuestra maestría en cómo coloca la cámara: con su minimalismo en la puesta en cuadro, con la manera en la que utiliza el espacio y los sonidos fuera de cuadro, la sobriedad de sus planos y la conciencia de que todo lo que no se ve significa tanto como lo que se ve en sus encuadres.

El recorrido musical es producido una vez más por Cameron Mackintosh, que ha estado detrás del musical desde hace muchos años. En esta ocasión, se hicieron a un lado las grandes escenografías para enfatizar aún más cada una de las canciones.

Al parecer todo anda mal en Filadelfia: la ciudad está de cabeza, un hombre salta de un edificio, y en el mismo edificio un elevador se atasca a medio camino con cinco personas adentro. Cada uno de ellos morirá cuando la luz se vaya.

Formalmente, el diseño de sonido funge como narrador y el cambio constante de encuadres (para lo que se requirieron siete ataúdes distintos) hace que por momentos se pierda la ilusión de encierro, pero le dan el dinamismo necesario para no asfixiar al espectador antes que al personaje.