Que una película sea realizada por una mujer no debería significar mucho. La diversidad del cine hecho por mujeres puede ser tan amplia como la del cine hecho por hombres –desde blockbusters hollywoodenses, hasta documentales de denuncia social– idealmente ni siquiera tendríamos que mencionar el género de un director. ¿Entonces por qué el “cine realizado por una mujer” sigue siendo una categoría común en los festivales y en la crítica cinematográfica? La desafortunada realidad es que la cantidad de mujeres que logran plasmar su visión en la pantalla grande (o en la pantalla chica) sigue siendo mucho menor que la de hombres. De acuerdo con un artículo de Deborah Coughlin (con investigación de la Red Europea de Mujeres en el Audiovisual), en la industria del cine hay cinco hombres por cada mujer y el 91% de los trabajos de dirección son para ellos.

Una encuesta hecha por la BBC  con la opinión de críticos y críticas de cine de todo el mundo, propone las 25 mejores películas dirigidas por mujeres de todos los tiempos.

25. The House Is Black

Dir. Forough Farrokhzad

En 1962, a la edad de 27 años, Forough Farrokhzad ya era una figura notable en Teherán antes de la Revolución y su escena artística bohemia. Poeta en ascenso, con cierta experiencia como asistente de dirección y editora en la Unidad de Cine de Golestan, recibió el encargo de filmar un documental en una colonia de leprosos en el noroeste de Irán. Filmado con un modesto equipo durante dos semanas, The House Is Black es el legado cinematográfico de Farrokhzad, ya que murió en un accidente automovilístico a los 32 años.

Un poema construido sobre carne fundida y montaje rítmico, este corto de 22 minutos también puede verse como una alegoría política para la sociedad en su conjunto, pero Farrokhzad enmarca la vida cotidiana de sus sujetos con una sutil compasión. Su voz en off se impulsa más allá de lo físico, incluso más allá del medio mismo. La música y la danza riman con rutina clínica; las oraciones incluyen juegos infantiles y gestos domésticos. Aquí no hay nada mundano, incluida la decisión del cineasta de adoptar a uno de los niños de la colonia.

24. Lady Bird

Dir. Greta Gerwig

Greta Gerwig es quizás la primera cineasta en capturar la amarga nostalgia que una generación sintió hacia principios de la década de 2000. Lady Bird, ambientada en Sacramento entre el otoño de 2002 y el verano de 2003, es una carta de amor para crecer, probándose atuendos para adultos y la importancia personal a pesar de saber muy poco sobre algo. La protagonista es una vieja alma que anhela la singularidad en una escuela católica conformista, interpretada con la ingenuidad de Saoirse Ronan. Pero la película también es una historia sobre la paternidad, la crianza de los hijos y el abandono. Comienza con Lady Bird y su madre (la divina Laurie Metcalf) acostada en la cama, y luego muestra cómo este estado simbiótico ya no existe.

23. The Hitch-Hicker

Dir. Ida Lupino

Tan cautivador y estimulante como cualquiera de los mejores ejemplos de cine noir, The Hitch-Hiker de Ida Lupino merece reconocimiento entre las mejores películas del género, más allá de ser considerada la única película negra dirigida en Hollywood por una mujer. Ida Lupino, la primera directora femenina en ser parte del sistema de estudio en Hollywood, un logro ya sobresaliente por cualquier estándar, demuestra ser tan maestra como cualquier otro director de la época con esta, su mejor película.

Despojado de lo esencial como una película de ruta, The Hitch-Hiker es un estudio profundo y oscuro sobre un sociópata en fuga, que juega juegos mentales con un par de cautivos inocentes.

La tensión y el suspenso se centran en estos tres personajes, construidos de manera constante e implacable a través de la dinámica dentro de un automóvil, en batallas mentales de supervivencia, en un juego de contrastes de varias capas, en primeros planos y conversaciones.

Una propuesta pionera para el cine negro, la película aprovecha al máximo el estilo visual del género en las tomas dentro del automóvil y agrega elementos de suspenso y el espíritu de lo que eventualmente se conocería como la película del asesino en serie. La película es una clase magistral en economía narrativa y precisión que solo puede provenir de un cineasta con control absoluto del lenguaje cinematográfico y en la cima de su juego. El poder y la intensidad de The Hitch-Hiker de Lupino sigue siendo tan fuerte y cautivador como lo fue hace más de 65 años cuando se lanzó.

22. We Need To Talk About Kevin

Dir. Lynne Ramsay

Una alarmante sensación de horror está presente desde el comienzo de We Need to Talk About Kevin. Demasiado pronto, comenzamos a entender exactamente por qué. La historia se desarrolla en frenéticos cortes en el pasado y el presente, mientras que la directora Lynne Ramsay cambia hábilmente el cabello de Tilda Swinton para evitar la confusión de los plazos. Swinton, en forma asombrosa, es la colorida Eva que está embotada por la maternidad y su hijo difícil. En su mayor parte, es fácil simpatizar con su situación, pero luego sus más pequeñas acciones y frases casuales molestan. Ramsay se lanza audazmente a la pregunta imposible: ¿Kevin es malvado porque su madre no lo ama o no lo ama porque él es malvado? No hay respuesta, sólo dolor. Como espectador, estás obligado a reflexionar sobre lo que harías si estuvieras en los zapatos de Eva. La película es hermosa, y también lo es un joven Ezra Miller cuando era adolescente, Kevin, pero tan frío. Al igual que siempre persigue a Eva, esta película se quedará contigo para siempre. Realmente no es muy agradable, pero lo necesitamos.

21. Winter’s Bone

Dir. Debra Granik

Hay una razón por la que Jennifer Lawrence fue la elección obvia para interpretar a Katniss Everdeen en The Hunger Games. Esa razón fue Winter's Bone, el bosquejo lírico y seco de Debra Granik sobre una joven (Lawrence) de 17 años que descubre que tiene menos de una semana para localizar a su padre que antes de que su familia sea desalojada de la casa. Él es egoístamente presentado como garantía. El ingenio del personaje de Lawrence, Ree, ciertamente hace que su actuación se sienta como un modelo del mundo real para su trabajo en la saga antes mencionada, pero también está perfectamente sincronizada con el enfoque empático y silenciosamente subversivo de Granik, que nos incrusta en el mundo cerrado. fuera del mundo de la región montañosa de Ozark, devastada por la metanfetamina de Missouri, y procede a encontrar la humanidad y la complejidad en las personas retratadas tradicionalmente en películas como estereotipos de villanos o víctimas de una sola nota. La película resultante, que obtuvo cuatro nominaciones al Oscar, es a la vez un brillante estudio de personajes y un thriller tenso, con el primer plano de Granik sobre las mujeres y la insistencia en el naturalismo, exponiendo sutilmente la naturaleza insidiosa de la violencia masculina tan casualmente celebrada en los westerns y las películas de detectives con las que Winter's Bone comparte algo de ADN.

20. Clueless

Dir. Amy Heckerling

Es difícil alabar a Clueless de Amy Heckerling sin mencionar su ahora icónico diálogo. El lenguaje específico, verbal y visual, de la comedia adolescente es un testimonio de su brillantez. Sólo diga el título y las frases aparecen en su boca mientras las minifaldas a cuadros amarillas y los sombreros arquitectónicos nublan su visión. Heckerling tomó la Emma de Jane Austen y se deshizo de los vestidos de cintura del imperio Regency, reimaginando a la entrometida como la reina de la escena de la escuela secundaria de Beverly Hills. Así engendró a Cher Horowitz de Alicia Silverstone. Ella es una tonta que realmente no es tan tonta en absoluto; ella es una chica popular, que realmente es altruista, incluso si ese altruismo a veces es equivocado. Heckerling creó una fantasía en colores primarios que parece totalmente de su época y atemporal. No hace falta decir que Clueless es un total Baldwin de una película, y en absoluto un Monet. A diferencia de la pintura, mejora cuanto más la miras.

19. Orlando

Dir. Sally Potter

Hay momentos en Orlando, el magnífico segundo largometraje de Sally Potter, que todavía provocan boqueadas hoy.

La épica línea de tiempo de la película abarca casi 400 años, y hay algo fascinante y profundamente duradero en el desempeño icónico de Tilda Swinton en su carrera inicial como hombre y mujer en el mismo papel.

Se siente demasiado simplista, para los estándares de 2019, celebrar el empoderamiento de Sally Potter como simplemente un cuento de "cambio de género", porque en muchos sentidos esta historia finalmente se revela por completo hoy. Su carácter fluido no parece ser definido por una etiqueta estrecha y binaria, y esa es una proposición radicalmente esperanzadora para presenciar.

Adaptada por Potter de la novela de Virginia Woolf de 1928 escrita a su amante, la escritora Vita Sackville-West, Orlando es una película de la que muchos hablarán, descubriendo o redescubriendo, en los próximos meses. La 2020 Met Gala, el famoso evento anual de recaudación de fondos para el Instituto de Vestuario del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, y la siguiente exposición, tendrá como tema Acerca del tiempo: moda y duración, y se inspiró específicamente en la película de Potter.

18. American Psycho

Dir. Mary Harron

A primera vista, una sátira mordaz sobre los yuppies de Wall Street a fines de la década de 1980, American Psycho de la directora canadiense Mary Harron es una obra maestra atemporal sobre la codicia y la pérdida del sentido de identidad, así como una excelente muestra del poder de la mujer. Contempla el vientre de la vanidad masculina y la violencia. Basada en una novela de Bret Easton Ellis, la decisión de Harron de recortar los elementos de la fantasía masculina del Pent-house del original y, en cambio, aportar un sentido de realidad, hace que la hoja de su sátira sea aún más afilada. Mientras Patrick Bateman (realizado de forma deliciosa por un Christian Bale anterior a Batman) representa fantasías sexuales y se desenfrena, las audiencias se desgarran cuando retrocedemos internamente con horror, pero también nos reímos a carcajadas, no solo por la manera mundana de sus asesinatos, pero también al reconocimiento de aspectos de nuestra propia codicia. Ya sea que uno obtenga o no las referencias contemporáneas de la escucha fácil de los 80, este terror slasher mezclado con comedia genera un intenso debate hasta el día de hoy, especialmente en términos de su final ambiguo. Con personajes que son reconocibles en todas las sociedades del mundo, es difícil imaginar que un director eclipse tal sátira.

17. Seven Beauties

Dir. Lena Wertmüller

Seven Beauties siempre será conocida como la película que convirtió a Lena Wertmüller en la primera mujer en ser nominada a mejor dirección de los Oscar. Este es un logro impresionante por cualquier medio (que ha sucedido sólo cuatro veces desde entonces), pero la película en sí es aún más grande que eso. Es una obra maestra fascinante, tan audaz y provocativa en su descripción de la humanidad que nunca podría hacerse hoy.

Desde la apertura satírica acompañada de un poema inexpresivo, hasta una de las tomas finales más poderosas y bien construidas de la historia, Wertmüller encontró innumerables formas ingeniosas de filmar monstruosidades sin dejar que quitamos nuestros ojos de la pantalla.

Basada en su propio guion original, nos guía a través de las turbulencias de Italia en la primera mitad del siglo XX, encarnada en Pasqualino, un hombre encantador pero dañado que emprende un viaje a los lugares más bajos del alma humana. Tan hermoso como impactante, venenoso pero misericordioso, el décimo largometraje de Wertmüller es una explosión de cine, tan impactante como lo fue hace 44 años.

16. Wanda

Dir. Barbara Loden

Al recordar El Príncipe de Maquiavelo, Barbara Loden se propuso hacer una película útil para nosotros para subvertir las estructuras de poder patriarcales en las que vivimos. Pero Wanda demostró que tal subversión no era posible, sino que organizó una versión imaginada de la misma. Seguramente, Loden habría estado de acuerdo con la máxima de Gilles Deleuze "es golpeando tu cabeza contra la pared por la que encuentras un camino". Convirtió la pantalla en una pared de imposibilidades al inventar un nuevo uso del tiro largo, y durante el primer y único largometraje que hizo, los planos largos nunca muestran las cosas en perspectiva a pesar de su amplitud de visión. Más bien, se dan sistemáticamente como desiertos de avión, en los que el personaje principal, interpretado por la propia escritora-directora, está condenado a existir como un simple "flotador", privado de la capacidad de actuar en su entorno.

15. La Ciénaga

Dir. Lucrecia Martel

Un cubo de hielo tintineando en una copa de vino. Una mano borracha y temblorosa, llenándola. Y más allá, una gran tormenta trepando por las montañas de Salta, lista para saltar al valle. Es sorprendente la cantidad de sonidos e imágenes icónicas de Lucrecia Martel que aparecen en la apertura de La Ciénaga (su debut de largometraje), que penetrará en el inconsciente colectivo del paisaje cinematográfico argentino. La historia de una amarga rivalidad entre tres familias sirve como un fresco a gran escala de las relaciones de clase y raza de América Latina, la decadencia aristocrática y el poder de los mitos. Sin embargo, lo que podría ser solo otro drama social resulta ser algo diferente, con un tono extraño, a veces casi Lynchiano, el de un mundo cerrado donde todo está más confuso de lo que parece: primos con siestas en la misma cama, las doncellas rechazan las llamadas de los jefes y el peso de varias relaciones incestuosas que se infectan en las familias como el agua en la piscina de la escena de apertura. Martel ha dicho que ve el mundo como una piscina: todos estamos flotando en el mismo líquido, donde la infección sigue siendo una de las fuerzas primarias de la humanidad. El pantano era el trampolín, donde nos sumergimos en este caldo humano.

14. Point Break

Dir. Kathryn Bigelow

Filmada por Kathryn Bigelow en la cálida luz dorada de Los Ángeles, Point Break de 1991 es un clásico de la policía y el surf (de hecho, la única película clásica de la policía realizada hasta la fecha). Desde la irresistibilidad gemela de Keanu Reeves y un Patrick Swayze con crin de león surfeando las olas, hasta Johnny Utah bombeando balas al cielo porque su bromance con Bodhi ha sido demasiado profundo para que Utah le dispare, sus mejores momentos han pasado a la leyenda del cine.

Point Break se suma al mito de Los Ángeles como una ciudad de verano interminable, donde incluso el crimen es alimentado por el deseo de sus hermosos perpetradores de seguir surfeando la ola perfecta. Y oleadas de nostalgia también afectarán al público moderno, viéndolo ahora; habla de un tiempo mucho más inocente: la Guerra Fría terminó.

Con la facilidad y el estilo con el que hizo Point Break, Bigelow demostró que podía hacer un éxito de taquilla de acción, así como cualquier director masculino. Cuando obtuvo su Oscar por The Hurt Locker, los fanáticos de esta película saben que merece estar en el cuerpo del trabajo por el que fue recompensada.

13. Sans Toit Ni Loi (Vagabond)

Dir. Agnès Varda

A pesar de ser una de las grandes películas de la Nueva Ola francesa, la película Vagabond de Agnès Varda no es tan conocida como las películas de sus contemporáneos. La película sigue la historia de una mujer joven que fue encontrada muerta congelada en una zanja rural, cuyo caso es investigado por la directora a través de entrevistas ficticias y una reconstrucción posterior. Las grandes películas a menudo dejan algún misterio sin resolver en su núcleo, una realidad incognoscible, y esta estrategia, narrativa como reconstrucción ficticia, se adapta admirablemente.

Mona (Sandrine Bonnaire) trabajaba como secretaria pero se cansó de su trabajo, partiendo en busca de la libertad con algunas posesiones en una mochila. Lo sorprendente de Vagabond es su sentido de lo imposible que es vivir "al azar". Mona es solo una persona normal; la película no trata tanto de ella como la dificultad de sacudirse la civilización. Sigue el descenso de un individuo inconformista que busca la libertad en el vacío, la vagancia y, finalmente, la muerte, lo que sugiere cómo la civilización nos ha domesticado tanto que la verdadera libertad solo puede ser la muerte.

12. Zero Dark Thirty

Dir. Kathryn Bigelow

Después de sus premios de la Academia por The Hurt Locker, Kathryn Bigelow profundizó en la búsqueda de Osama Bin Laden en su próximo largometraje. Al principio, este thriller de un viaje, que lleva a la audiencia junto con las fuerzas especiales y los agentes de la CIA que finalmente capturaron y mataron al archienemigo de los EE. UU., parecía a punto de ganar una vez más en los Oscar, pero la película se enredó en una pelea política. Un votante del Oscar pidió un boicot, alegando que "condona la tortura", y la película fue rechazada casi por completo en la temporada de premios. ¿Qué hizo de esta película una obra de arte tan polarizante? En gran parte, la capacidad de Bigelow para contar una historia fascinante mientras colorea sus películas con sombras de fallas humanas y emociones hiperrealistas, todo envuelto en una película que dice lo que es, incluso si la historia no es agradable. Jessica Chastain ofrece una actuación fascinante como Maya, un personaje ficticio basado en un compuesto de mujeres que ayudaron a encontrar y capturar a Bin Laden.

11. The Ascent

Dir. Larisa Shepitko

La escena en la que dos soldados, Sotnikov y Rybak, se esconden en el ático de los alemanes usa ángulos de cámara y encuadre con un efecto tan grande que es casi demasiado intenso. El conflicto entre los dos soldados lleva la historia más allá del heroísmo, la guerra y el honor: la mirada angelical de Sotnikov y la traición traidora de Rybak…

Sin embargo, Rybak podría no ser el Judas que sugiere la película. The Ascent también es una verdadera obra de arte que equilibra perfectamente la ansiedad inquietante y la espiritualidad calmante, con el espectador entrando inmediatamente en las mentes de los personajes. Es tan lamentable que The Ascent fue la última (y mejor) película de Larisa Shepitko.

10. Daughters of the Dust

Dir. Julie Dash

Daughters of the Dust de Julie Dash es un encuentro fascinante que celebra la cultura Gullah a través de los últimos momentos compartidos de la familia Peazant antes de una migración planificada hacia el norte desde la isla de Santa Helena, Carolina del Sur. Una oda multisensorial a la cultura y la memoria, es un collage de poses poéticas que enmarca a los personajes (descendientes de esclavos asentados en las Islas del Mar) contra asombrosos fondos de arena, mar, cielo, canciones y paisajes exuberantes. Incluso en silencio, aparecen en sintonía con una sinfonía inaudita que incorpora al niño no nacido de la película, una metáfora de las esperanzas e incertidumbres de Peazant.

Encarnando al griot (narrador de África occidental) en mensaje y medio, Daughters of the Dust evoca nostalgia mientras simultáneamente basa la rutina diaria de los Gullah. Al igual que las tres generaciones de mujeres geechee independientes de la película, Dash es un emisario y un custodio que guía magistralmente a su audiencia a través del tiempo.

Aquí, la memoria tiene el carácter de bendición y carga, un componente y complemento del Gullah; el enlace no debe romperse a pesar de las probabilidades prevalecientes. Aquí también reside la realidad de que la memoria, si no se registra adecuadamente, puede quedar atrás en la búsqueda del "progreso" a medida que las culturas distintas desaparecen en la uniformidad anónima de las ambiciones urbanas. Un conflicto intemporal y universal que suena cierto más allá de las Islas del Mar.

9. Fish Tank

Dir. Andrea Arnold

Fish Tank, ganadora del Premio del Jurado del Festival de Cine de Cannes, continúa y va más allá de la fuerte tradición del realismo social británico. En su segundo largometraje, Andrea Arnold sigue el estado de ánimo y el estilo de su corto Wasp, ganador del Oscar. La heroína principal de su drama auténtico y poético ambientado en una propiedad de Essex es una adolescente enojada y futura bailarina, Mia (la recién llegada Katie Jarvis), buscando una grieta en el acuario de su vida frustrante. Los deseos de Mia de conectarse con el nuevo novio de su madre (Michael Fassbender) serán ingenuos. La vida no funciona como se muestra en la televisión. El final feliz de Mia no parece un triunfo definitivo, sino que sólo sugiere una sabiduría redimida, una breve y tranquila reconciliación, y la esperanza de que si pudiera soltarse, como un globo que se cierne sobre una urbanización, podría tener un viento favorable.

8. Toni Erdmann

Dir. Maren Ade

Toni Erdmann nos cuenta sobre los conflictos cotidianos entre las llamadas personas comunes en todas esas situaciones de rutina a las que no prestamos atención. Es una historia sobre la degradación de la importancia de la familia en nuestro mundo neoliberal en rápido movimiento. Todo podría convertirse en drama, incluso en un thriller, pero Maren Ade nos ofrece una comedia inteligente y dinámica, agridulce. Y nos reímos.

7. The Hurt Locker

Dir. Kathryn Bigelow

¿Qué hace que The Hurt Locker sea tan genial? ¿Es la llegada de una estrella de cine de buena fe en Jeremy Renner? ¿O es el reparto de los actores de personajes de talla mundial como Guy Pearce, David Morse y Ralph Fiennes? ¿Podría ser su victoria de David v Goliat sobre Avatar en los Premios de la Academia 2010? O tal vez el momento devastador de Kathyrn Bigelow siendo la primera mujer en ganar a mejor dirección (¡sobre su ex marido James Cameron, nada menos!). La verdad, creo, es más simple: The Hurt Locker hace lo que hacen todas las grandes películas: nos transporta. Bigelow nos pone las botas (y el casco explosivo) de un personaje cuyo viaje no podría estar más lejos del nuestro, y luego usa sus habilidades cinematográficas superlativas para hacernos caminar, de la mano, por el infierno con él. Para cuando el sargento de Renner, William James, salga a la árida puesta de sol, estamos felices de separarnos de él, no porque sea un cañón suelto (lo es), sino porque nuestros nervios no podrían resistir otra acción hermética de Bigelow. Las películas nos han enseñado que la guerra es el infierno, pero nunca ha sido tan tensa.

6. Daisies

Dir. Věra Chytilová

Herbert Eagle, profesor de cine especializado en cine de Europa del Este, escribió una vez que cuando las películas de Věra Chytilová estén disponibles para un público más amplio, Daisies serían consideradas como una obra maestra. Se ha demostrado que Eagle está en lo cierto, pero tardó mucho en llegar. A pesar de que el debut de Chytilová en el largometraje de 1966 fue aclamado por Jacques Rivette, y fue una influencia en sus propios Céline y Julie Go Boating (1974), Daisies permaneció en un gueto de cine de culto y se proyectaron principalmente en festivales feministas.

Podría verse como una diversión inofensiva ahora; y divertido es, con todas las peleas de baile de jazz, payasadas y comida. Pero en la Checoslovaquia comunista, las escapadas anarquistas de las dos protagonistas fueron escandalosas. Marie y Marie son retratadas como "muñecas" que se rebelan y causan estragos en los roles de género institucionalizados y la cultura del consumidor.

Hoy está claro que Daisies, un esfuerzo de colaboración de los mejores artistas de la Nueva Ola Checoslovaca, con montajes de vanguardia, escenografía hermosa y excelente fotografía, fue una de las mejores películas que salieron de esa década. Los censores comunistas etiquetaron al filme como "representando a los desenfrenados", y todavía no ha perdido una pizca de ese desenfreno.

5. Lost In Translation

Dir. Sofia Coppola

Sofia Coppola retrata magistralmente múltiples niveles de desorientación contemporánea en esta película filmada en Tokio y lanzada en 2003. En un nivel, un hombre de mediana edad se da cuenta del vínculo débil y aburrido que tiene con su esposa, después de 25 años de matrimonio, mientras que una joven que lleva dos años casada se encuentra sola, incapaz de reconocer con quién se ha casado y confundida sobre su futuro profesional. Además, ambos personajes, interpretados hábilmente por Bill Murray y Scarlett Johansson, muestran su confusión y confusión cuando se enfrentan a un entorno cultural y un idioma diferentes.

Coppola los representa tratando de disfrutar de la fusión japonesa de tradición, posmodernidad, tecnología y escapismo. Pero el escape parece no conducir a nada al final del día.

Murray interpreta a Bob, un actor famoso pero desvaído que está filmando un comercial en Tokio. Conoce a Charlotte (Johansson) en el hotel de lujo donde ella se queda mientras su esposo está fuera, trabajando. Durante las conversaciones sobre la vida, el matrimonio, el trabajo y los hijos, los dos desarrollan una conexión sincera, una especie de amistad. Las luces y calles de Tokio reflejadas maravillosamente en las ventanas del hotel son una de las firmas de esta película.

4. Beau Travail

Dir. Claire Denis

Compuesto por los recuerdos de un oficial de la Legión Extranjera en desgracia que recuerda sus días en un campo de entrenamiento de Djibouti, Beau Travail de Claire Denis tiene la estructura y la sensación de un sueño febril. A medida que la narración del melancólico Galoup (el inimitable Denis Lavant) nos guía suavemente a través de la trama delgada, también abre las imágenes de la película de soldados haciendo ejercicio bajo el ardiente sol africano a otros significados sugerentes: ¿Galoup realmente está entreteniendo una relación especial con el comandante? (Michel Subor), ¿y el nuevo y apuesto recluta Sentain (Grégoire Colin) lo amenaza? En este espacio ambiguo, donde la subjetividad del hombre se encuentra con la dura realidad del desierto africano, se encuentra toda la belleza de Beau Travail. Denis y el director de fotografía Agnès Godard resaltan la sensualidad de los cuerpos de los hombres en imágenes que, junto con las palabras melancólicas de Galoup, adquieren una urgencia visceral: nos aferramos a esos destellos de belleza como Galoup para su comandante. Sin embargo, lo que eleva la película de Denis al estatus de obra maestra no es su poder visceral, sino su visión clara y su calidad poco sentimental, lo que equivale a un verdadero coraje: aunque el enamoramiento de Galoup era una fantasía seductora, era mortal.

3. Jeanne Dielman

Dir. Chantal Akerman

Las revoluciones ocurren a veces en tiempo real. Hay algo revolucionario en ver a una mujer con una bata azul cielo pelar papas en la mesa de la cocina, desempolvar su casa, buscar un botón que falta o preparar una taza de café. Hace esto casi en silencio, en largas tomas estáticas que se extienden durante tres horas apasionantes. Las minucias de la vida cotidiana, las cosas que la mayoría de los cineastas omiten o dejan de lado, son fundamentales para la obra maestra de Chantal Akerman en 1975, Jeanne Dielman, 23 Commerce Quay, 1080 Bruselas; Un estudio hipnotizante de la represión, la ansiedad, el trabajo pesado y el tiempo. Akerman, de solo 25 años cuando hizo la película, llamó a estas escenas "las imágenes entre imágenes". Nosotros en la audiencia nos sentamos a esperar que suceda algo dramático, dándonos cuenta lentamente de que ya ha sucedido; está pasando.

A medida que avanzamos por estos espacios domésticos, desde la cocina hasta el baño y el dormitorio, hay indicios y sugerencias de que Jeanne (la maravillosamente contenida Delphine Seyrig) es una trabajadora sexual cuyo departamento también es su lugar de trabajo. El familiar adquiere un reparto extraño. Las cosas comienzan a desmoronarse, casi imperceptiblemente. Su limpieza asidua, sus meticulosas rutinas diarias, adquieren un nuevo significado más oscuro. La inquietud se acumula hasta que termina en un estallido de violencia impactante.

Jeanne Dielman funciona como una bomba de tiempo; su fusible de combustión lenta desata inadvertido bajo nuestros pies. Podemos sentir la explosión antes de que suceda, retroceder cuando la onda de choque pasa sobre nuestras cabezas y saber que ha comenzado el levantamiento.

2. Cléo From 5 to 7

Dir. Agnès Varda

Siete años después de haber estado a la vanguardia de la Nueva Ola con La Pointe Courte, Agnès Varda le dio al gran movimiento del cine francés moderno una de sus obras maestras. Siguiendo, en tiempo real, a una joven cantante mientras espera un diagnóstico médico potencialmente trágico, la película de dos horas ofrece una circulación extraordinaria a través de la realidad, las emociones y los placeres de la vida. Junto a la magnífica Corinne Marchand, Varda camina por las calles de París, filmando con atención los detalles de un gran documentalista. Se cuela en un apartamento que se convierte en el escenario de un mini musical con el compositor Michel Legrand, celebra la libertad del cuerpo femenino con la amiga modelo de Cleo y da paso al cine burlesco con un cortometraje mudo protagonizado por Jean-Luc Godard y Anna Karina. Durante este encuentro lleno de encanto y dulzura, se vislumbra la sombra de la Guerra de Argelia, donde Cleo se encuentra con un soldado que está a punto de partir hacia el frente. Esta odisea moderna, aunque aparentemente modesta, es un himno a la vida que nunca olvida el horizonte fatal en el que tiene lugar, movilizando una forma constantemente inventiva, feminista y sensual.

1. The Piano

Dir. Jane Campion

En el romance gótico de la escritora y directora Jane Campion y el monumento extático a la mirada femenina, una muda mujer escocesa llamada Ada es enviada a Nueva Zelanda en la década de 1850 para casarse con un extraño. Una vez aterrizada, se separa de su piano, su principal instrumento de comunicación. "El piano es mío", escribe a su nuevo esposo, quien sin pensarlo lo vendió a un vecino. Esta propiedad lo es todo para Ada, porque para todos los efectos, ella es propiedad de otros: el hombre que la compró para su novia; la hija que exige su absoluta atención y afecto; la vecina que intercambia las teclas del piano por su cuerpo. Desde el escrutinio de un cuarto de siglo eliminado, la política sexual de The Piano y la representación sin arte de los pueblos indígenas han envejecido incómodamente. Y, sin embargo, la película no ha perdido nada de su potencia, no a pesar de, sino debido a su falta de regla. Dos legados más, ambos agridulces: en 1993, Campion se convirtió en la primera, y hasta la fecha, la única cineasta en ganar la Palma de Oro en Cannes, mientras que Holly Hunter ganó el Oscar por su titánica actuación como la pequeña y acerada Ada.

Trad. EnFilme

Fuente: BBC