Se han cumplido seis años desde que la nave especial que capitaneaba Davd Bowie despegó del Planeta Tierra para dirigirse a otra galaxia o sabrá Dios a dónde. Su presencia le hace falta a la música, al arte, pero su influencia en todas las disciplinas que abordó sigue sólidamente establecida. Sobre todo, por supuesto, en la música, pero también en el cine. Su herencia es visible y, sí, también audible, en todo momento, todos los días, desde distintos aspectos. 

En relación con los filmes, como apunta muy bien el British Film Institute, “su música eleva momentos en todo tipo de proyectos, desde películas de elevadísimo presupuesto y mercadotecnia hasta los últimos trabajos de autores renombrados, mientras que su legado como un actor de carácter también le ha asegurado la inmortalidad en la historia del cine. Y pese a ello, Bowie siempre se rehusó a permitir que su propia historia fuera contada: Stardust, la biopic recientemente estrenada, que siguió a Velvet Goldmine (1998), le pseudo-biopic de Todd Haynes, no lograron conseguir los derechos de sus canciones. Aunque, es cierto, otros cineastas han corrido con mejor suerte.”

Es por ello, que el BFI ha decidio crear esta lista con las 10 mejores ocasiones en que que se han insertado las canciones de David Bowie que no han sido los sencillos más exitosos, en algunos filmes.

‘Always Crashing in the Same Car’ – Radio On (1979)

El debut como director de Chris Petit es esa extraña bestia: una road movie británica. Atravesando los paisajes industriales de London y Bristol, así como algunos puntos intermedios, su delicado surrealismo es apuntalado por una banda sonora compuesta por clásicos de new wave y de krautrock, incluyendo varias gemas de la trilogía berlinesa de Bowie.  

“Always Crashing in the Same Car” se destaca, sonando mientras el protagonista Robert (David Beames) conduce dejando atrás el bloque de torres ‘ballardianas’ con vista al paso a desnivel del Westway londinense. Capturado en deslumbrante  blanco y negro por Martin Schäfer, asistente de fotografía de Wim Wenders, el potencial romanticismo del panorama urbano brutalista es desvelado. Momentáneamente hace que una canción vuelta sinónimo de la capital alemana se sienta a un tiempo distintivamente británica y enteramente de otro mundo. 

”’Heroes”’ – Christiane F. (1981)

El filme de Uli Edel es uno de las más escalofriantes retratos sobre las adicciones que se han visto en pantalla. La jugada maestra del director lleva poco antes que su protagonista adolescente (Natja Brunckhorst) sucumbe a la tentación de usar heroína por vez primera. Edel ilustra perfectamente el halo de fascinación que la lleva a descender por ese sendero. Con “Heroes” sonando a todo en la banda sonora mientras Christiane y sus nuevos amigos escapan de la policía a través de una galería comercial, Edel captura un momento de rebelión juvenil con sentido de genuina euforia, el tipo de subidón que imaginas ellos siempre estarán tentados a replicar. 

Es el punto destacado en un filme repleto de excelentes caídas de aguja (needle drops) -valga la expresión, en este caso), incluyendo una presentación en vivo, a mitad del filme de “Station to Station”. 

‘Fame’ – Something Wild (1986)

El primer filme de Jonathan Demme tras rodar el concierto Stop Making Sense (1984) de Talking Heads también contiene una interpretación en vivo que es fantástica. Cuando el inesperado viaje por carretera del yuppie Charlie (Jeff Daniels) y el alma libre Audrey (Melanie Griffith) los lleva a una reunión de secundaria, esta comedia que tuerce los géneros se toma una pausa antes de cambiar la marcha hacia el territorio del thriller, con Demme arrojando todo a su alcance para capturar a la banda de post-punk de Nueva Jersey, The Feelies, haciendo un cover de “Fame” en la fiesta. 

Como en Stop Making Sense, la genialidad reside en la simplicidad: Demme se asegura que su cámara errante tenga la ocasión de destacar a cada uno de los miembros de la banda, subrayando su importancia en el trabajo colaborativo antes de que nos repleguemos de regreso con los protagonista hacia la pista de baile. Es un momento breve, pero convertido en magia absoluta gracias a la disposición que tiene Demme de permitirle respirar. 

‘Modern Love’ – Mauvais Sang (1986)

El poco convencional filme de Leos Carax contiene algunas de las escenas más inolvidables del estilístico movimiento ‘cinéma du look’ de los ochenta. La trama es lo suficientemente vaga como para permitir alojar cualquier cosa desde fragmentos de paracaidismo hasta un glorioso, y constantemente homenajeado, interludio musical. Justo cuando Alex (Denis Lavant) se encuentra enamorándose de Anna (Juliette Binoche), de pronto brota “Modern Love” de Bowie y, en un plano secuencia vemos a Lavant corriendo por la ciudad, contorsionando su cuerpo en un estado de intensa emoción. Es una de las visualizaciones perfectas sobre cómo se siente perderte por alguien. 

‘Under Pressure’ – Grosse Pointe Blank (1997)

En solo una década, la música de Bowie fue de ser usada como epitome de lo que es ‘cool’ a trasmitir un sentido de nostalgia por los 70 y 80, al tiempo que la estrella se esfumaba del firmamento. En ningún lado esto se ilustra mejor que en Grosse Pointe Blank. Al confrontarse con las malas decisiones de vida que ha tomado desde su graduación, el gatillero interpretado por John Cusack con su vida apenas “en proceso” vuelve a ver a sus contemporáneos, que se han casado y tienen hijos, en una reunión, mientras por las bocinas surge “Under Pressure”. En cierto momento, el director George Armitage matrimonia a la perfección la nostalgia de la canción dirigiendo una melancólica mirada a un hombre haciendo un recuento de sus elecciones. 

‘I’m Deranged’ – Lost Highway (1997)

Según lo dicho por el propio David Lynch, Bowie había dejado de considerarse cool durante el tiempo en que hizo su memorable cameo en Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992). Y, sin embargo, en la misma era en que su música empezó a ser usada en filme para evocar nostalgia, Lynch utilizó una rola de su subetimado álbum Outside, de 1995, para complicar aún más su pesadillesco filme neo-noir de 1997, Lost Highway. Con diferentes variaciones de “I’m Deranged” insertadas sobre los créditos iniciales y finales, el cineasta convirtió a Bowie una pieza importante dentro del aparentemente impenetrable acertijo; la banda sonora constante en un viaje hacia un camino sin final. Y al ser incluido en un soundtrack en el que acompañaba a bandas industriales de moda en esos días, como Nine Inch Nails y Marilyn Manson, fue rejuvenedida la estatura cultural de la estrella. 

‘Young Americans’ – Manderlay (2005)

Nunca ha habido timidez en Lars von Trier al momento de utilizar los hits más conocidos de Bowie, culminando en el uso de “Young Americans” en un fragmento de humor negro para The House That Jack Built (2018). Pero la forma más provocadora en que ha integrado un clásico de Bowie fue hacia el final de Dogville, su nada sutil crítica al mal estructural que habita la sociedad norteamericana, que alcanza su cínica conclusión hacia el montaje de los créditos finales con imágenes del libro American Pictures de Jaco Holdt, que documenta a estadounidenses sumidos en la pobreza. Este indignante final destila la esencia del mejor trabajo de von Trier: puede provocar cólera y conmoción, pero serás incapaz de mirar hacia otro lado. 

‘Queen Bitch’ – The Life Aquatic with Steve Zissou (2004)

Los covers portugueses que ha hecho Seu Jorge de los clásicos de Bowie proveen una columna vertebral para la excéntrica comedia náutica de Wes Anderson. Cada cover fue interpretado en vivo en el set (y personificado) por Jorge, quien cambió algunas letras en la traducción para representar sus propias experiencias durante la realización del filme. 

Después de escuchar trozos de estos covers de la época de Ziggy Stardust a lo largo del filme, anidados conviviendo con sus rolas favoritas habituales de los 60 y un track eufórico de Sigur Rós, es un júbilo recibir un cover completo, y en vivo, de “Queen Bitch” mientras los créditos finales ruedan. Previo a la filmación, Jorge solo conocía una rola de Bowie, pero cuando lanzó un álbum de sus, en 2005, en los forros del disco aparecía un amoroso mensaje escrito por la propia estrella. 

‘Cat People’ – Inglourious Basterds (2009)

Típico, pero es Quentin Tarantino quien puede ostentar el (re)uso más memorablemente cinematográfico de un track de Bowie que fue escrito para otro filme completamente distinto. Grabado para la banda sonora del remake de Cat People, de Paul Schrader, de 1982, la canción de Bowie retorna a las pantallas para abrir el tercer acto de Inglorious Basterds, cuando Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) prepara su venganza contra el régimen nazi responsable de matar a su familia. 

En los mundos altamente estilizados que crea Tarantino, las bandas sonoras por ayudan a sus heroínas a recuperar el sentido de albedrío frente a la adversidad y, en esa medida, este bien podría ser el mejor uso de una pieza musical que ha hecho a lo largo de su carrera. 

‘Moonage Daydream’ – Guardians of the Galaxy (2014)

A mitad de la década pasada, hubo una ola de películas de ciencia ficción de altísimo presupuesto explotando el potencial intergaláctico de las rolas tempranas de Bowie con deuda a la ciencia ficción. “Starman” apareció en The Martian (2015) de Ridley Scott, mientras que en la secuencia inicial de Valerian and the City of a Thousand Planets (2017) de Luc Besson, fue acompañada en su totalidad por “Space Oddity”. 

Como muchas otras tendencias en los blockbusters modernos, esto aparentemente fue originado por Marvel toda vez que “Moonage Daydream” (la única rola de Bowie en el ‘Awesome Mixtape’ de Star-Lord) arranca durante un eufórico momento de viaje a través de ciudades distantes en el cielo. 

Trad. EF

Fuente: BFI